Últimamente, mi filia documentalística esta ahondando cada vez más en buscar interesantes materiales musicales, que hay, y muchos y muy interesantes.

Tenía dos en la recámara que me llevaban rondando desde hace tiempo. No conseguía bajármelos de internet (si soy un pirata, y orgulloso) y cuando ya estaba a punto de pedirlos a Amazon, porque en españa encontrarlos es imposible, algún alma caritativa los colgó y cayeron en mis manos por fin.

El primero es un docu que me perdí en la última edición del Documentamadrid, porque me pillaba muy mal de fechas y horarios y se trata nada más y nada menos que “The Night That James Brown Saved Boston”, un documental realizado por la cadena americana HBO (calidad garantizada) y que narra los sucesos acaecidos en Boston el día siguiente al asesinato de Martin Luther King Jr. en Memphis.

Resulta que ese día había programado un concierto de James Brown en Boston, ciudad natal de Luther King, y allí, como en la mayoría de las grandes ciudades de los EEUU se desataron unos disturbios salvajes en los que la población negra comenzó a quemar y saquear sus barrios en protesta por el asesinato del líder espiritual negro.

El recién elegido alcalde de Boston, Kevin White decidió que si se celebraba el concierto, que sería en un recinto en un barrio blanco de Boston, los disturbios llegarían a toda la ciudad de mano del público de Brown, y decidió cancelar el evento.

James Brown hablando con el alcalde de Boston, Kevin White, y uno de los concejales

El documental narra a traves de entrevistas a gente del entorno de James Brown y a políticos y habitantes de Boston en aquel momento, de como siendo bien aconsejado el alcalde cambia de opinión y decide utilizar el concierto como herramienta para atemperar los ánimos de la población emitiendo el concierto en directo por la televisión pública.

El resultado es un concierto épico en el que un Brown en su mejor momento da una actuación excepcional y consigue que la población permanezca en sus casa disfrutando de la música.

A raiz de este suceso, James Brown se convierte en un líder de opinión en la comunidad negra y su prestigio aumenta hasta proporciones increibles, repitiendo poco después algo similar en Washington DC y siendo presencia indispensable en cualquier acto de reafirmación de la cultura negra.

Lo interesante de este documental es como no hace de Brown o del Alcalde de Boston personajes épicos que salvaron a la ciudad por unos ideales, sino que pintan los tonos de grises que rodean a ambos personajes, presentando a un Brown preocupado por todo el dinero que iba a perder en entradas con la emisión televisiva del show, o un alcalde que nunca se hubiese preocupado de esto si los disturbios nunca hubiesen salido de los barrios de mayoría negra.

Ameno y muy recomendable.

En segundo lugar está otro documental en el que James Brown es el protagonista: Soul Power.

Este documental está intimamente ralacionado con otro que ya comentamos aquí “When We Were Kings”, sobre el combate de Kinsasha en el 74 entre Alí y Foreman.

Si bien aquel documental se centraba en el combate, este otro se dedica a estudiar en profundidad el festival de música que se celebró en paralelo al combate, haciendo de Zaire 74 un evento de afirmación del Black Power en toda regla.

James Brown, The Jazz Crusaders, B.B.King, Fania All Stars con Celia Cruz, Miriam Makeba, The Spinners, grupos musicales y de danza africanos y muchos más actuaron durante 2 días en la capital del Zaire haciendo de gala de los diferentes sonidos de la cultura negra desde diferentes partes del mundo.

El documental, montado por un miembro del equipo de “When We Were Kings”, Jeffrey Levy-Hinte, a partir del material que no se utilizó para este, es impresionante tanto en la parte musical como en la de los viajes, los preparativos del concierto o los músicos visitando el país.

No tiene precio las imágenes del avión en el que todos los músicos y el equipo viajaron a Kinsasha, con Celia Cruz dirigiendo el cotarro y los músicos de la Fania tocando con todo lo que tenían a mano. Algun dia hablaremos en este blog de la música portorriqueña y cubana en el New York de los 70…

En resumen, dinámico, interesante y documento de un momento impresionante en la historia de la música.

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Para empezar esta nueva serie de artículos sobre los grandes sellos del R&B he decidido elegir al gran sello Chess de Chicago, conocido principalmente por sus grabaciones de Blues, pero abarcó otros géneros como el Rock primigenio, el Gospel, el Soul… En definitiva, R&B.

Un poco de historia:

Los inmigrantes polacos Leonard y Phil Chess, afincados en Chicago desde 1928, regentaban varios clubes nocturnos de afluencia afro-americana a mitad de la década de los 40. En estos locales había mucha música en directo, y se dieron cuenta que los artistas que tocaban allí no habían grabado en estudio de una forma adecuada. Por este motivo Leonard decidió llegar a un acuerdo de colaboración con Aristocrat Records en 1947. En esos años firmaron a quién se convertiría en el artista “franquicia” de la compañía, Muddy Waters.

En 1949 Leonard consigue involucrar a su hermano Phil en esta aventura, y comprar toda la compañía Aristocrat Records. En 1950 es reorganizada y nace Chess Records.

Uno de los hitos del joven sello tuvo lugar en 1951 cuando un jovencísimo Sam Phillips (futuro dueño de Sun Records), productor musical en ciernes, les cedió a un inmenso granjero de más de 130 Kg., el gran Howlin’ Wolf.
En los años 50 el número de canciones que las radios podían emitir de un mismo sello era limitado. Por este motivo en 1952 fundaron el sello subsidiario Checker. Uno de los primeros artistas en cosechar el éxito en este sello fue el antiguo harmonicista de Muddy Waters, Little Walter.

Con el lanzamiento en 1954 de dos grupos vocales, The Flamingos y The Moonglows el sello Chess demostró al mundo que era capaz de grabar y lanzar grandes Hits.

Uno de los años más prolíficos de Chess fue 1955, cuando Muddy Waters descubrió a un joven Chuck Berry. Decidieron grabar a Berry, que llegó al estudio con una idea sobre su primer tema llamado Ida Red. A petición de Leonard Chuck cambió el nombre por el más pegadizo Maybellene (nombre de un producto para el pelo que había en el estudio).

También en 1955 dieron la oportunidad a Bo Diddley, que aunque el año anterior ya había grabado algún single, disfrutó del éxito en Chess.

Para cubrir la demanda de Jazz que había en Chicago, en 1956 se creó la subsidiaria Argo.

Otro de los campos más trabajados por el sello fueron las grabaciones religiosas y el Gospel. De hecho, una de las primeras grabaciones de la gran Aretha Franklin fue durante su adolescencia, como acompañamiento de su padre (Reverendo Franklin), para el sello Checker.

Hasta 1960 las labores de producción las había llevado Leonard Chess, ayudado en gran medida por el bajista y cantante Willie Dixon. En ese año decidieron contratar los servicios del legendario Ralph Bass.

El declive del Sello Chess se puede localizar a finales de 1969 con la muerte de Leonard Chess, que poco antes había vendido la compañía a General Recorded Tape. Entre 1969 y 1975 se continuó produciendo, pero el ritmo y la calidad bajaron muchísimo. En 1975 GRT vendió la compañía a All Platinium Records, que tenía la intenció de relanzarla. Desde entonces Chess Records sigue inactiva.

Un poco de Música:

Antes de empezar el repaso por los artistas más importantes del sello, otro par de anécdotas para ilustrar el caso: Cuando Brian Jones y Keith Richards se conocieron en la parte de atrás de un autobús, empezaron a hablar porque Jones tenía una copia de un disco de Muddy Waters. El grupo que formaron, The Rolling Stones, debe su nombre a una canción de Waters (que aparecía en ese disco). Los Rolling Stones grabaron una canción llamada 2120 South Michigan Avenue en homenaje a la dirección de Chess Records, y parte de su disco The Rolling Stones Now! fue grabado en los estudios Chess.

Del primer músico de Chess del que me gustaría hablar es el gran Muddy Waters. Compañero de Leonard Chess durante toda la vida del sello, el sonido de Muddy define la esencia del Blues de Chicago. Desde sus primigenias I Can’t Be Satisfied o Rollin’ and Tumblin’, hasta sus conocidísimas Mannish Boy, Got My Mojo Working o Hoochie Coochie Man, todas forman parte del repertorio de las bandas de blues actuales.

Pero Muddy Waters no habría sido el mismo sin las composiciones del gran bajista y productor Willie Dixon, que muchas veces grababa sus canciones tanto él mismo como parte de la banda de otros músicos. Hoochie Coochie Man, I Can’t Quit You Babe (versionada por Led Zeppelin), I Just Want to Make Love to You, Spoonful, son algunas de sus muchas composiciones.

El siguiente en la lista tiene que ser, obligatoriamente, Howlin’ Wolf. De personalidad y presencia escénica arrolladoras, cuenta entre sus éxitos a Smokestack Lightnin’, Spoonful o Little Red Rooster. La mano derecha de Howlin’ Wolf fue durante muchos años el guitarrista (aún en activo) Hubert Sumlin.

Por supuesto no podemos pasar por alto la presencia de la gran Diva Etta James, una de las primeras artistas de Soul del sello que dejó su impronta (y la sigue dejando) con temas como I’d Rather Go Blind, que me pone los pelos de punta, o I Just Want to Make Love to You.

El Rock & Roll primigenio viene con de la mano de Chuck Berry, con su Roll Over Beethoven o su Brown Eyed Handsome Man, y el blues más influido por los ritmos africanos lo creo Bo Diddley (sobre quien ya publicamos un artículo).

Tampoco nos podemos olvidar que el gran John Lee Hooker también grabó bajo el sello Chess. Su Blues puro se puede ver en temas como Boom Boom o I’m In The Mood.

Las grabaciones de Little Walter tocando la harmónica para Muddy Waters son maravillosas, pero en solitario nos dejó varias joyitas como el My Babe.

Otros artistas de la primera generación de Chess fueron Sonny Boy Williamson II (que robó su nombre a Sonny Boy Williamson I), Lowell Fulson, Memphis Slim o Jimmy Rogers. De la segunda generación de artistas de Chess podemos destacar a Buddy Guy, a Little Milton, Otis Rush o Koko Taylor.

Por supuesto que estos no son todos los artistas del sello, pero por lo menos os podéis hacer una idea del sonido del sello.

Para ilustrar todo esto, he creado una lista de reproducción de Spotify  de Chess Records con todos los artistas de los que hablo en el artículo.

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Vamos a repasar su historia, su artistas más relevantes, sus grandes grabaciones, su legado… Intentaremos responder a preguntas habituales como pueden ser ¿Qué es eso del sonido Motown? ¿Qué es el sonido de Memphis? ¿Qué tienen en común las grabaciones de Chess?

Esperamos poder ir aclarando estas preguntas, e intentaremos conseguir que miréis a la música desde un punto de vista nuevo.

Vamos a ir actualizando una lista con los post que publiquemos al final de este artículo.

Esperamos que lo disfrutéis. Como siempre, estamos abiertos a críticas y sugerencias.

27 Enero 2010 – Grandes Sellos del Rhythm & Blues: Chess Records

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Bo se pasó a la guitarra, y estuvo tocando por las calles y bares de Chicago hasta en el 1954 grabó las primeras demos de I’m a Man y Bo Diddley, que posteriormente fueron grabadas en el sello Chess para lanzar su primer single el año siguiente. Aunque su primer disco completo no llegó hasta 1958 (recordad la época de la que estamos hablando, cuando los discos no eran más que recopilaciones de singles), la semilla de Bo había empezado a germinar, y ya había conseguido su primer #1 en la lista de R&B.
Sacó 11 discos para el sello subsidiario de Chess, Checker Records.
Las guitarras con formas curiosas fueron una de las señas de identidad de Bo, siendo su guitarra cuadrada, diseñada por él mismo, la más característica.

La parte final de su carrera, hasta su muerte en 2008, la dedicó a hacer colaboraciones con diversos músicos y nunca dejó el escenario.
Terminado el repaso histórico, vamos al musical. Pero… ¿Qué influencia ha tenido Bo Diddley?

Empecemos por uno de sus primeros temas: I’m a Man. Sin exagerar, esta canción define a la perfección el Blues de Chicago. Es un blues simple, con un riff que se repite durante toda la canción, pero es genial. Fue versionada por Muddy Waters en su Manish Boy, y es la base de la mítica Hoochie Coochie Man de Willie Dixon (también popularizada por Muddy Waters).

Pero lo que más caracteriza a Bo no se podía ver en esa canción. Probablemente fuese el artista de blues con más influencia de los ritmos africanos. Su Hey Bo Diddley, You Can’t Judge a Book by Looking at the Cover, Mona, Who Do You Love, etc… tienen en común un ritmo muy característico, Rock & Roll primigenio que influyó en artistas posteriores. Sólo un par de ejemplos: No Fade Away (Buddy Hollie/Rolling Stones), Magic Bus (The Who), She’s the One (Bruce Springsteen)…

Os dejo un par de joyitas para que disfrutéis, y vayáis corriendo a comprar (o lo que hagáis) un recopilatorio bien completito de nuestro amigo. Aquí tenéis un link a su música en Spotify.

Bo Diddley – Hey Bo Diddley / Bo Diddley

Bo Diddley – You Can’t Judge a Book by Looking at the Cover

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Y es por esto  que los voy a recordar con uno de sus temas que más me gusta, Ain’t Too Proud to Beg, famoso también por las versiones que han hecho los Rolling Stones y Brownie Machine. Disfrutadlo:

Ain’t Too Proud to Beg

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Me he centrado en el Funk más clásico y el P Funk, así que he dejado fuera a artistas más modernos y conocidos como Prince. Espero que os guste , como siempre, si tenéis dudas, quejas o comentarios, decidlo.

Say It Loud!

Pincha aquí para obterner la lista de reprodución de Introducción al Funk y al P Funk en Spotify

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Resulta que hay gente que a menudo me pide que le recomiende un buen recopilatorio de Soul. Algo básico, para empezar a interesarse por un género que no conocen.

Por eso he hecho mi propio recopilatorio, a modo de lista de reproducción en Spotify. Os dejo la lista de temas que he seleccionado.

No hay nada soprendente, nada nuevo, y sobre todo nada moderno. No he querio abusar con ningún artista, y lo más seguro es que haya alguno que se me haya pasado. En otros casos, como por ejemplo Curtis Mayfield, cno estaban en Spotify las canciones que buscaba.

He metido Stax, Atlantic, Motown y algo de otros sellos más pequeños, así que creo que ha quedado bien representado. He dejado fuera las canciones más Funk de estos artistas, que incluiré en una Introducción al Funk.

Espero que os guste. Si véis que falta algo no dudéis en comentarlo, que seguro que alguien lo agradece.

Pincha aquí para obtener la lísta de reproducción de Introducción al Soul en Spotify

(Sweet Sweet Baby) Since You’ve Been Gone	Aretha Franklin
I Never Loved A Man	Aretha Franklin
Chain Of Fools	Aretha Frankin
Move On Up	Curtis Mayfield
Knock on Wood	Eddie Floyd
Raise Your Hand	Eddie Floyd
Midnight Train to Georgia	Gladys Knight &The Pimps
I Heard It Through The Grapevine	Gladys Knight &The Pimps
Show Me	Joe Tex
Can I Get a Witness	Marvin Gaye
Ain’t No Mountain High	Marvin Gaye
Let’s Get It On	Marvin Gaye
Try a Little Tenderness	Otis Redding
(Sittin’ On) The Dock Of The Bay	Otis Redding
Hard to Handle	Otis Redding
What’d I Say	Ray Charles
Hallelujah, I Love Her So	Ray Charles
I Got a Woman	Ray Charles
I Thank You	Sam & Dave
Hold On I’m coming	Sam & Dave
Soul Man	Sam & Dave
You Send Me	Sam Cooke
Bring It on Home to Me	Sam Cooke
Shake	Sam Cooke
Everybody Needs Somebody to Love	Solomon Burke
Got To Get You Off My Mind	Solomon Burke
I Wish I Knew (How It Would Feel to be Free)	Solomon Burke
Signed, Sealed, Delivered, I’m yours	Stevie Wonder
I’ll Take You There	Staple Singers
Respect Yourself	Staple Singers
The Weight	Staple Singers
You Can’t Hurry Love	The Supremes
Mustang Sally	Wilson Pickett
Land of the 1000 Dances	Wilson Pickett

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Todo esto acompañado por el auge de la música Funk y Soul que hizo que la estética negra se pusiese de moda entre los chavales blancos de clase media fue lo que provocó la explosión de la negritud a principios de los años 70.

Esta explosión cobró su máximo exponente en el cine: el negrito amigo del bueno o el negro malvado ya no serían los arquetipos de personajes afroamericanos en el cine. El cine negro y para negros surgió como un movimiento imparable, dando lugar a películas de acción donde el protagonista, un héroe negro duro y misterioso, violento y mujeriego, hace las delicias de un joven público afroamericano con ganas de identificarse con los héroes de la pantalla. Este movimiento cinematográfico se llamó Blaxploitation.

Superfly

A priori, parece que esta identificación con protagonistas puede ser positiva, pero los modelos de conducta que comenzaron a prevalecer provenían de lo más oscuro del ghetto: los héroes eran mafiosos, camellos, macarras y matones de Harlem o Detroit, lo que en el fondo, en vez de lograr la apertura de la cultura negra a la normalidad, hace prevalecer los estereotipos marginales del negro delincuente. Pero, pese a cualquier análisis sociológico que hagamos del tema, lo innegable es que esa época nos proporcionó una serie de joyas de la cultura popular en las que la acción más macarra y el sexo guarro se mezclaban a la perfección con una música hecha a la medida, para hacernos pasar momentos de diversión.

El arquetipo clásico de personaje Blaxpoitation era el camello o el matón, presentes en títulos tan famosos como “Superfly”, con una maravillosa banda sonora a cargo de Curtis Mayfield o “Black Caesar”, que muestra la historia de un chulo callejero que llega a ser el rey de la Mafia de Harlem.

También el policía más duro que el acero o el agente secreto elegante son arquetipos clásicos del cine de acción de los que el Blaxpoitation se apropia para crear a personaje memorables como “Shaft”, protagonizado por Richard Roundtree, que venía a ser como un “Harry el Sucio” en negro, y que protagonizó tres magníficas películas (“Shaft”, “Shaft’s Big Score” y “Shaft in Africa”). La banda sonora del primero de estos filmes fue uno de los mayores éxitos del mítico Isaac Hayes, que desde los estudios Stax fue unos de los grandes de la época llegando él mismo a interpretar algunas películas del género (“Truck Turner”).

Isaac Hayes

Otro personaje de similar índole fue la famosa “Cleopatra Jones”, escultural y letal agente secreta al servicio del gobierno. Este personaje fue increíblemente innovador al ser la primera vez que presenciamos un rol femenino fuerte en el cine de acción. Esta presencia de chicas duras protagonistas fue una característica

del género con títulos como “Coffy”, “Foxy Brown” o “TNT Jackson”. La protagonista de gran parte de estas películas fue la sexy Pam Grier, a la que rescató del olvido Quentin Tarantino en “Jackie Brown”, al tiempo que con este film rinde un tremendo homenaje a todo el género.

Poco a poco la locura Blaxpoitation comenzó a ramificarse por diferentes corrientes más alejadas del realismo callejero y a internarse en el cine de género creando híbridos negroides muy peculiares (e irregulares): El cine de artes marciales, tan famoso en la época gracias a los filmes de Bruce Lee, tuvo su remedo negro gracias a “Black Belt Jones”, karateca negro con un peinado afro imposible, que tras un par de filmes a su nombre,

llegó a aparecer en la gran “Operación Dragón” de Bruce Lee.

El género del terror también tuvo su ración de negritud de la mano de filmes como “Blacula” o “Black Frankestein”, subproductos con un punto bastante gracioso. La lista es interminable pero merecen una mención aparte grandes locuras como “The Black Gestapo” o la divertidísima “Dolemite”.

Merece la pena bucear en el legado de este cine y evadirse de la realidad metiéndote al menos durante unas horas en esos sucio callejones de Harlem, entre junkies, putas y macarras, repartiendo mamporros a diestro y siniestro y con una banda sonora llena de funk febril dándole el ritmo adecuado a la trama.

“I’m black and I’m proud” dijo James Brown y yo añadiría “and I’m Badass” .

Blaxpoitation forever!!!

Black Belt Jones

Blacula

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Vamos a ponernos en situación: En los años 60 Berry Gordy, amo y señor del sello Motown, solía mantener los viernes por la mañana una reunión del equipo de Control de Calidad para decidir que canciones se lanzarían como singles. Las decisiones se tomaban democráticamente, pero Gordy tenía derecho de veto. A comienzos de 1967 Norman Whitfield y Barret Strong compusieron la citada canción, y voy a contaros cronológicamente lo que sucedió.

Primera y Segunda versión: Smokey Robinson & The Miracles y The Isley Brothers

Whitfield grabó una primera versión de la canción con Smokey Robinson & The Miracles que presentó en la reunión de Control de Calidad sin éxito. Luego volvieron a intentarlo con otra versión de los Isley Brothers, que tampoco pasó el corte.

Tercera versión: Marvin Gaye

Convencido de que tenían un hit, Whitfield volvió a grabar la canción con Marvin Gaye. Redujo el tempo del tema y le dio un ambiente casi psicodélico. Le acompañaron la banda de acompañamiento del sello, Los Funk Brothers, y The Andantes a los coros. Por tercera vez presentó la canción y por tercera vez se la echaron atrás, esta vez con la frase “deja de darme guerra con esa canción”.

Cuarta versión: Gladys Knight & the Pimps

Desoyendo a Gordy, Whitfield grabó una cuarta versión del tema con un grupo que llevaba poco tiempo en el sello: Gladis Knight & the Pimps. Adaptó la letra para que la cantase una mujer y cambió los acordes menores de las versiones anteriores por un carácter mucho más acelerado y bailón. Por fin convenció a Gordy y con un poco de promoción llegaron a colocar la canción como número 1 de la lista de Black Singles el 25 de noviembre de 1967.

Volviendo a Marvin Gaye

Todavía convencido de que la mejor versión era la de Marvin Gaye, Whitfield convenció a Gordy de que le dejase añadir la canción al disco de Gay In the Groove. La canción, introducida discretamente al final del disco no sólo superó al singles In the Groove, sino que también pasó a la de Gladis Knight. Por fin salió como single en otoño de 1968. Durante un tiempo convivieron en las listas las dos versiones del mismo tema, hecho que me parece que no se ha vuelto a repetir desde entonces.

Luego llegarían multitud de versiones, siendo la de Creedence Clearwater Revival la más exitosa.

En todo este lío de versiones queda claro que de no haber sido por la insistencia de Whitfield, probablemente no habríamos disfrutado de este estupendo tema. Esto me hace pensar en que debe haber una gran cantidad de temazos perdidos entre reuniones, que al no contar con la insistencia casi enfermiza de sus autores, probablemente nunca vean la luz… y es una pena.

Este texto está basado en el siguiente artículo: I Heard It Through the Grapevine – Original Motown Version

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En este caso en concreto hablaremos de música, mezclada con un tema muy cinematográfico: el boxeo. Con estos ingredientes, ¿que puede fallar? Pues vamos a ello.

Primero pongámonos en situación: 1974, Muhammad Ali, antiguo campeón de los pesos pesados estáen busca de recuperar el título que le fue arrebato al ser encarcelado por negarse a ser reclutado por el ejército para ir a Vietnam.

Don King es un emergente hombre de negocios y promotor de boxeo que quiere dar un golpe de mano y montar uno de los más grandes espectáculos de boxeo de la historia. Como no tiene fondos para organizarlo, se pone a buscar algún gobierno que quiera financiar el evento y así dar publicidad a su país.

Mobutu Sese Seko, dictador del Zaire (actual Republica del Congo), decide patrocinar el combate y Don King, haciendo gala de su ingenio empresarial (y de mucha jeta), decide convertir el asunto en una celebración de la “negritud”, en una demostración de “Black Power”, mezclando el combate de Alí con el actual campeón, George Foreman, con las músicas soul y africana, y para ello llevó a Kinshasa (capital del Zaire) a algunas de las más grandes estrellas de la época.

Ali era el símbolo de la América negra que luchaba por su importancia en una sociedad que trataba de ignorarlos y de proscribirlos. Alí, gran bocazas, habia hecho multitud de declaraciones públicas en contra del gobierno y de la guerra de Vietnam, hasta el punto que dió con sus huesos en la carcel por declararse objetor y negarse al reclutamiento. Esto le convirtió en un símbolo del “Black Power” y su aspiración al título del Campeonato del Mundo de los Pesos Pesados era compartida por toda la población negra.

Frente a él Foreman, gran boxeador, involuntariamente acabó encarnando la figura del “Tio Tom”, del negro adaptado al sistema y dominado por este, por lo cual se convirtió en el objetivo de las críticas de Alí y el personaje odiado por todos. Don king supo manejar habilmente esta idealización del combate y terminó utilizando las reivindicaciones raciales como propanganda para el evento.

Este espectáculo llamado  “Rumble in the Jungle” acabaría juntando en Kinshasa, cpital de la antigua república del Zaire, a los boxeadores con algunas de las más importantes estrellas del soul-blues de la época (James Brown, B.B. King, The Crusaders, The O’Jays, …), con estrellas de otra vertiente de la música negra de la época como eran los ritmos portorriqueños y afrocubanos (Celia Cruz, Fania All Stars, Ray Barreto…) e incluso músicos y bailarines africanos, convirtiendo el festival en algo así como un Woodstock de la negritud y una reivindicación del orgullo racial y de la fraternidad negra en el mundo.

Dos documentales inmortalizan este increíble hecho histórico: el recientemente estrenado “Soul Power”, aún no estrenado en España y el cual espero con ansia, que se centra principalmente en la música; y por otra parte el magnífico documental “When We Were Kings”, dirigido por León Gast y que enfoca primordialmente en el combate, sin desmerecer todo lo que se refiere al festival musical.

Un James Brown exultante, con bigote, en la cumbre de su fama fue el cabeza de cartel de un festival por el que un servidor mataría por haber presenciado y vivido. B.B.King, The Spinners, The O’Jays, The Crusaders, The Pointer Sisters, Bill Whiters, Celia Cruz, Ray Barreto y su orquesta, Fania All Stars, Myriam Makeba, la lista de artistas es increible. Como anécdota decir que estuvo a punto de ocurrir una catástrofe ya que James Brown quería que todos los artistas fuesen en un mismo avión, sin darse cuenta de la cantidad de equipo que tenia que movilizar cada uno de ellos, haciendo que el avión tuviese un terrible exceso de carga que estuvo a punto de producir una tragedia. Afortunadamente llegaron a Zaire sin problemas y no se perdieron de una sola vez tantos grandes talentos del mundo de la música.

El hecho de que los boxeadores estuviesen largo tiempo en Zaire para aclimatarse y entrenar hizo que todo el planeta tuviese la mirada puesta en lo que allí ocurría, en la preparación del evento, en los entrenamientos de  Alí, corriendo por las calles de Kinshasa con los niños corriendo a su lado y gritando “Alí Bumayé” (Alí mátale), y en el gran concierto que allí se llevó a cabo.

El documental cuenta con detalle y con grabaciones de la época como se desarrolló el todo el festival, el combate, la preparación. Las imágenes de época son impagables y ver a Alí con James Brown, ver al loco de Don King inventándose excusas sobre la marcha para el retraso del combate, escuchar las salida de tono de Alí, es algo que no tiene precio.

Si además eres aficionado al boxeo, el combate es espectacular. Ver como Alí se dio cuenta que el enfrentamiento directo le llevará a la derrota y decide cambiar de estrategia. Durante siete asaltos, Alí decidió encajar un golpe tras otro protegiéndose la cara, aguantando el tirón dejando que Foreman acabase agotado para, en el octavo asalto, conectar una brutal combinación que dejó a Foreman fuera de la circulación y sin el título que por fín volvió a las manos de su antiguo dueño.

Narrado de manera magistral, el documental nos deja unas impactante imágenes del combate, round a round, dándonos la sensación de estar presenciando una hazaña épica de proporciones inigualables.

Cine, historia, boxeo y la mejor música del mundo. Todo esto se condensa en este documental. Espectacular. Debéis verlo. Y se puede complementar con la película “Alí” de Michael Mann en la que este combate se convierte en el clímax del film. Muy recomendable.

Escuchando: The Sweet Vandals - Good Thing

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