Empiezo con una versión de Proud Mary y None of Us Are Free. Esto es liarla en un concierto.  ¡No descansa hasta que consigue que el escenario se abarrote de gente! Mensajito a Bush incluido.

Cuando hacía versiones, de verdad te lo creías. Aquí hace un homenaje a Otis Redding.

El homenaje sigue después del salto…

No puede faltar Everybody Needs Somebody... Los Rolling Stones la versionaron nada más salir, en 1964. Aquí están todos en el escenario:

Luchó activamente por los derechos civiles, y coincidió con el Reverendo Martin Luther King. Aquí tenéis una estupenda versión de I Wish en el Festival Jazzlandia de 2006 en San Sebastián (al que fuisteis más de uno):

Got to Get You Off My Mind, una de mis favoritas, hace sólo un año:

Otro de sus grandes clásicos, Down in the Valley. Esta de 1987, bien levantadito y bailando:

Turn On your Love Light…. Y bien que lo hizo….

Cry to Me. Esas rosas que tiene a los lados las repartía entre las mujeres del publico. En el primer concierto de Brownie Machine hicimos lo mismo, un pequeño homenaje…

Después de millones de nietos, hijos, bisnietos, etc… al señor Burke le seguían gustando las mujeres. Joss Stone casi se lo carga un poco antes este año. Don’t Give up on Me:

Y lo dejo con otro vídeo de este año, también con Joss Stone. Wonderful World, rosas, Everybody….

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Esta mañana nos hemos despertado con la noticia de la muerte de Solomon Burke en el aeropuerto de Amsterdam.

Enterrador, embalsamador, predicador, luchador en pro de los derechos civiles, padre de 21, abuelo de 90, bisabuelo de 19, y sobre todo una pieza clave en la historia del R&B. Con Solomon Burke se va el último grande del Soul de los 60 que quedaba en pie.

Su canciones tenían siempre un mensaje común: el amor. Ya fuese el amor a Dios o a la persona deseada, Burke tenía siempre un mensaje positivo y fraternal que debía solucionar todos los problemas de mundo.

Nos deja canciones como Got to Get You Out of My Mind, Just Out Of Reach (Of My Two Open Arms), Down in the Valley, Cry to Me… pero sobre todo nos deja una de las canciones más importantes y reconocibles de los últimos 50 años: Everybody Needs Somebody.

Desde su resurgir en 2002 ha ido sacando discazo tras discazo, mezclando el Soul, el Blues y el Country como solo él sabía. Su último disco, Nothing’s Imposible, de 2010 no daba signos de flaqueza. Pocos artistas puedo contar que lleguen a los 70 años sacando discos interesantes.

A nivel personal Solomon Burke me ha influido en varios aspectos. Tuve el honor de verle en Octubre de 2004 el el Teatro de la Villa de Madrid (ahora Fernando Fernán Gómez). Con casi total seguridad ha sido el mejor concierto en el que he estado y terminó de confirmar mi amor por el Soul. Solomon repartió una rosa a cada una de las mujeres del teatro, y no paró hasta que consiguió que el publico subiese y abarrotase el escenario con Everybody Needs Somebody. Siempre había tenido la esperanza de volver a verle…

Espero que sea recordado como realmente merece. Se va uno de los más grandes, pero su legado hará que no sea olvidado.

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Hoy no entramos en detalle, hoy sólo le rendimos homenaje con su música.

Primero su grandiosa Smokestack Lightning, una de las más características:

Seguimos con Don’t Laugh at Me (a ver quién tenía cojones para reise del animalito…). Mención especial merece en esta canción su mano derecha a la guitarra, Hubert Sumlin:

Y para terminar una de mis debilidades, su versión de Sitting on the Top of the World:

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Para empezar esta nueva serie de artículos sobre los grandes sellos del R&B he decidido elegir al gran sello Chess de Chicago, conocido principalmente por sus grabaciones de Blues, pero abarcó otros géneros como el Rock primigenio, el Gospel, el Soul… En definitiva, R&B.

Un poco de historia:

Los inmigrantes polacos Leonard y Phil Chess, afincados en Chicago desde 1928, regentaban varios clubes nocturnos de afluencia afro-americana a mitad de la década de los 40. En estos locales había mucha música en directo, y se dieron cuenta que los artistas que tocaban allí no habían grabado en estudio de una forma adecuada. Por este motivo Leonard decidió llegar a un acuerdo de colaboración con Aristocrat Records en 1947. En esos años firmaron a quién se convertiría en el artista “franquicia” de la compañía, Muddy Waters.

En 1949 Leonard consigue involucrar a su hermano Phil en esta aventura, y comprar toda la compañía Aristocrat Records. En 1950 es reorganizada y nace Chess Records.

Uno de los hitos del joven sello tuvo lugar en 1951 cuando un jovencísimo Sam Phillips (futuro dueño de Sun Records), productor musical en ciernes, les cedió a un inmenso granjero de más de 130 Kg., el gran Howlin’ Wolf.
En los años 50 el número de canciones que las radios podían emitir de un mismo sello era limitado. Por este motivo en 1952 fundaron el sello subsidiario Checker. Uno de los primeros artistas en cosechar el éxito en este sello fue el antiguo harmonicista de Muddy Waters, Little Walter.

Con el lanzamiento en 1954 de dos grupos vocales, The Flamingos y The Moonglows el sello Chess demostró al mundo que era capaz de grabar y lanzar grandes Hits.

Uno de los años más prolíficos de Chess fue 1955, cuando Muddy Waters descubrió a un joven Chuck Berry. Decidieron grabar a Berry, que llegó al estudio con una idea sobre su primer tema llamado Ida Red. A petición de Leonard Chuck cambió el nombre por el más pegadizo Maybellene (nombre de un producto para el pelo que había en el estudio).

También en 1955 dieron la oportunidad a Bo Diddley, que aunque el año anterior ya había grabado algún single, disfrutó del éxito en Chess.

Para cubrir la demanda de Jazz que había en Chicago, en 1956 se creó la subsidiaria Argo.

Otro de los campos más trabajados por el sello fueron las grabaciones religiosas y el Gospel. De hecho, una de las primeras grabaciones de la gran Aretha Franklin fue durante su adolescencia, como acompañamiento de su padre (Reverendo Franklin), para el sello Checker.

Hasta 1960 las labores de producción las había llevado Leonard Chess, ayudado en gran medida por el bajista y cantante Willie Dixon. En ese año decidieron contratar los servicios del legendario Ralph Bass.

El declive del Sello Chess se puede localizar a finales de 1969 con la muerte de Leonard Chess, que poco antes había vendido la compañía a General Recorded Tape. Entre 1969 y 1975 se continuó produciendo, pero el ritmo y la calidad bajaron muchísimo. En 1975 GRT vendió la compañía a All Platinium Records, que tenía la intenció de relanzarla. Desde entonces Chess Records sigue inactiva.

Un poco de Música:

Antes de empezar el repaso por los artistas más importantes del sello, otro par de anécdotas para ilustrar el caso: Cuando Brian Jones y Keith Richards se conocieron en la parte de atrás de un autobús, empezaron a hablar porque Jones tenía una copia de un disco de Muddy Waters. El grupo que formaron, The Rolling Stones, debe su nombre a una canción de Waters (que aparecía en ese disco). Los Rolling Stones grabaron una canción llamada 2120 South Michigan Avenue en homenaje a la dirección de Chess Records, y parte de su disco The Rolling Stones Now! fue grabado en los estudios Chess.

Del primer músico de Chess del que me gustaría hablar es el gran Muddy Waters. Compañero de Leonard Chess durante toda la vida del sello, el sonido de Muddy define la esencia del Blues de Chicago. Desde sus primigenias I Can’t Be Satisfied o Rollin’ and Tumblin’, hasta sus conocidísimas Mannish Boy, Got My Mojo Working o Hoochie Coochie Man, todas forman parte del repertorio de las bandas de blues actuales.

Pero Muddy Waters no habría sido el mismo sin las composiciones del gran bajista y productor Willie Dixon, que muchas veces grababa sus canciones tanto él mismo como parte de la banda de otros músicos. Hoochie Coochie Man, I Can’t Quit You Babe (versionada por Led Zeppelin), I Just Want to Make Love to You, Spoonful, son algunas de sus muchas composiciones.

El siguiente en la lista tiene que ser, obligatoriamente, Howlin’ Wolf. De personalidad y presencia escénica arrolladoras, cuenta entre sus éxitos a Smokestack Lightnin’, Spoonful o Little Red Rooster. La mano derecha de Howlin’ Wolf fue durante muchos años el guitarrista (aún en activo) Hubert Sumlin.

Por supuesto no podemos pasar por alto la presencia de la gran Diva Etta James, una de las primeras artistas de Soul del sello que dejó su impronta (y la sigue dejando) con temas como I’d Rather Go Blind, que me pone los pelos de punta, o I Just Want to Make Love to You.

El Rock & Roll primigenio viene con de la mano de Chuck Berry, con su Roll Over Beethoven o su Brown Eyed Handsome Man, y el blues más influido por los ritmos africanos lo creo Bo Diddley (sobre quien ya publicamos un artículo).

Tampoco nos podemos olvidar que el gran John Lee Hooker también grabó bajo el sello Chess. Su Blues puro se puede ver en temas como Boom Boom o I’m In The Mood.

Las grabaciones de Little Walter tocando la harmónica para Muddy Waters son maravillosas, pero en solitario nos dejó varias joyitas como el My Babe.

Otros artistas de la primera generación de Chess fueron Sonny Boy Williamson II (que robó su nombre a Sonny Boy Williamson I), Lowell Fulson, Memphis Slim o Jimmy Rogers. De la segunda generación de artistas de Chess podemos destacar a Buddy Guy, a Little Milton, Otis Rush o Koko Taylor.

Por supuesto que estos no son todos los artistas del sello, pero por lo menos os podéis hacer una idea del sonido del sello.

Para ilustrar todo esto, he creado una lista de reproducción de Spotify  de Chess Records con todos los artistas de los que hablo en el artículo.

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Kitty, Daisy & Lewis

Es cierto que musicalmente representan poca novedad. Muchas versiones de clásicos del Blues, del Soul y del Rockabilly, muy bien terminadas. ¿Pero por hacer versiones pierden interés? Muy feo estaría que yo lo dijese…

La música está interpretada de una manera magistral, quizás un poco fría pero estoy seguro que lo suplirán en directo con creces.

La voz es estupenda, de verdad me impresiona saber que Kitty, blanca, nacida en Inglaterra y de sólo 16 años (!) pueda cantar así.

Aquí os dejo el link a su disco en Spotify.

El concierto tendrá lugar el próximo 30 de Marzo en la sala Joy Eslava de Madrid. Está anunciado a las 20:00. Por el momento las entradas no están a la venta, así que desconozco su precio.

Os dejo un vídeo emulando a los Canned Heat para que vayáis abriendo boca:

Kitty, Daisy & Lewis – Going Up de Country

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En el concierto predominaban temas de Willy Dixon, pero tambien quedó hueco para un medley a lo Bo Diddley, una versión blusera del Black Dog de los Zeppelin con mención a Howlin’ Wolf (del que también hicieron una versión), y una brutal Nobody Knows When You’re Down and Out. Para mi el punto álgido del concierto.

No puedo decir que Lichis cantando blues me sorprendiese porque ya lo había escuchado en la radio. El tio es genial y tiene unos dejes a Tom Waits bastante poco habituales por estas tierras.

Julian Kanevsky como siempre, impresionante.

Si tenéis ocasión de verlos, no dejéis de hacerlo, merecen muchísimo la pena.

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El caso es que tienen un apartado que se llama la clase del día (Daily Lesson), del que se ocupa ni más ni menos que el grandísimo Arlen Roth.

Arlen es uno de esos guitarristas mal nombrados de segunda fila. Acompañó durante los años 70 y 80 principalmente folk como Simon & Garfunkel, grabó las partes de guitarra de la película Crossroads, y a principios de los ochenta empezó a publicar libros en los que enseñaba a tocar la guitarra. De allí pasó a producir la serie de videos Hot Licks, en la que grandísismos artistas contaban los secretos de su manera de tocar. Yo tengo varias reediciones de aquellos DVD’s, y son estupendos.

Pues Arlen nos enseña cada día en la página de Gibson en un video de en torno a 5 minutos algún estilo o técnica con la maestría que da llevar 30 años enseñando. Conciso, claro y útil, esta serie de artículos es un recurso impagable para guitarristas.

Me da la sensación de que muchas de esas lecciones salen de sus diferentes trabajos. Yo he identificado varias de su libro Masters of Telecaster. No obstante es genial poder tener todas estas clases gratis y juntas.

Todas vienen con su tablatura, y un poco de texto explicando qué está haciendo.

De verdad, estoy encantado. ¿Se me nota?

Os dejo una versión de Arlen del clásico de Ray Charles Georgia on My Mind. Disfrutadla.

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Formados en 1971 torno a Canvey Island en Inglaterra, su alieación inicial y más recordada la formaban John B. Sparks al bajo, John Martin “The Big Figure” a la batería, Lee Brilleaux a la voz y armónia, y por supuesto el gran Wilko Johnson. He leido que Dr. Feelgood es una forma de llamar a la heroína y a los médicos que recetaban con excesiva facilidad medicamentos psicotrópicos. Parece ser que el nombre lo tomaron de una canción de Johnny Kidd & The Pirates.

A base de realizar versiones de clasicazos del Blues y el R&B, y sus temas propios que sugieren lo que serían los Rolling Stones de los primeros tiempos hasta las cejas de speed, consiguieron una sólida base de fan en la denominada escena Pub-Rock. Siempre llevaron como bandera la simplicidad de su música, potente y directa.

Su andadura discográfica la comenzaron con sus dos mejores trabajos de estudio: Down By the Jetty y Malpractice, ambos de 1975. En ellos se incluía sus temas más memorables: Roxette, She Does It Right, I Can’t Tell, Going Back Home…  Así como sus versiones más clásicas.

A raiz de estos dos excelentes discos de estudio sacaron mi album favorito, Stupidity, de 1976. Y me gusta porque capta la fuerza que trasmitían en directo. De hecho por lo que siempre se han caracterizado ha sido por la fuerza de sus directos. El album fue un gran éxito en Inglaterra. Después lanzaron Sneakin’ Supicion en 1977, el último album que grabó Wilko Johnson antes de dejar el grupo por sus diferencias con Lee Brilleaux. El grupo, pese a contar con brillantes guitarristas, nunca llegó a ser lo mismo.

Lee Brilleaux siguió tirando del grupo los años siguientes, centrándose en el directo y grabando discos que por lo general no merecen demasiada mención, hasta su muerte en abril de 1994 a causa de un limfoma.

Wilko Johnson ha seguido de gira en solitario, sin obtener ningún éxito remarcable salvo en Japón.

Me gustaría mostraros la estupenda portada del disco recopilatorio que lanzaron en 1989, llamado Singles. No es que el disco sea excepcional; sólo es un recopilatorio en el que destacan las canciones de sus dos primeros discos. El tema es que es una de las portadas que más me gusta. El caso es que he llegado hasta a comprarmelo en vinilo por este motivo…

Actualmente sigue de gira una reencarnación de la banda que he tenido el gusto de ver en dos ocasiones. Estoy de acuerdo que no es lo mismo, pero el espectáculo que nos brindan bien merece ir a verlos.

Os dejo un par de videos para ilustrar un poco esto, que no quiero que quede como una mini biografía. El primero es de 1975 y ejemplifica perfectamente lo que hablaba antes y se ve a Lee Brilleaux en plena forma; una version de Riot in Cell Block N0. 9 y su I Can’t Tell. El segundo video es obligado, su canción más recordada, la que mejor define al grupo y especiálmente a Wilko Johnson: Roxette.

Espero que disfrutéis tanto como lo estoy haciendo hago yo.

Riot in Cell Block No. 9 + I Can’t Tell

Roxette

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Y no toca solo, también se podrá disfrutar de los fantásticos Red House, uno de los mejores grupos de Blues de la Capital.

El Café Central está en la plaza del Angel 10, y la entrada cuesta 13 €.

Así que a disfrutar todos con Jeff Espinoza, Francisco Simón y sobre todo con Lou Marini.

Una muestra:

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Nos situamos justo después de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. Los soldados provenientes de zonas rurales, que durante la guerra han visto por primera vez un poco de mundo, vuelven a casa buscando el trabajo y las comodidades modernas que ofrecían las ciudades. Los negros que habían servido a su país, o que habían trabajado en empleos relacionados con la guerra, empezaron a demandar esos mismos trabajos, así como los mismos derechos civiles. Del mismo modo, en esta época floreciente para EEUU, tenían unas necesidades de entretenimento que cubrir.

Todo esto, unido al clima de optimismo reinante crearon el contexo perfecto para la gran difusión del Blues y del Swing. Hasta 1948, el término peyorativo que se utilizaba para describir la música que consumía la comunidad negra era Race Music (Musica Racial). En 1948 el legendario productor Jerry Wexler acuñó Rythm & Blues como alternativa no peyorativa. Se considera que el R&B como género nace en 1945 con artistas como Nat “King” Cole, Cecil Grant o Charles Brown, lo que nace en 1948 es el término.

Las raices del Soul se encuentran en el Blues y el Gospel. Una de las teorías que tienen más fuerza es que el género nace con el tema “I Got a Woman” de Ray Charles en 1954, pero que el género define plenamente su estilo con los temas de los 60 de Solomon Burke “Cry to Me”, “Just Out of Reach” y “Down in the Valley”.

El Funk básicamente coge los estilos anteriores, se centra en la ritmica y no en la armonía y acentua los tiempos 2 y 4 de los compases. Como primer tema del género se considera el “Out of Sight” de James Brown, pero realmente se define con “Papa’s Got a Brand New Bag”, de 1964 y 1965 respectivamente.

El tema da para extenderse mucho más, pero prefiero quedarme en conciso. Ya iremos desgranando más adelante.

Un último apunte: En el analfabetismo cultural que reina en estos momentos se ha acuñado el término R&B para definir cualquier tipo de música melosa con raices medio negras (en el mejor de los casos). Los que empezaron a utilizar de nuevo el término, debían estar buscando una palabra-almacen que sirviese de comodín, y eso ya existía: “POP”. Considerar que TLC, Destiny’s Child, Beyonce, Boyz II Men o Mariah Carey (!) hacen R&B es como decir que Goya era Cubista, que Spilberg dirigió El Padrino o que Cervantes pertenecía a la generación Beat.

Fuentes: “Birth of the Groove” de Dave Rubin (Hal Leonard) y Wikipedia.

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