Últimamente, mi filia documentalística esta ahondando cada vez más en buscar interesantes materiales musicales, que hay, y muchos y muy interesantes.

Tenía dos en la recámara que me llevaban rondando desde hace tiempo. No conseguía bajármelos de internet (si soy un pirata, y orgulloso) y cuando ya estaba a punto de pedirlos a Amazon, porque en españa encontrarlos es imposible, algún alma caritativa los colgó y cayeron en mis manos por fin.

El primero es un docu que me perdí en la última edición del Documentamadrid, porque me pillaba muy mal de fechas y horarios y se trata nada más y nada menos que “The Night That James Brown Saved Boston”, un documental realizado por la cadena americana HBO (calidad garantizada) y que narra los sucesos acaecidos en Boston el día siguiente al asesinato de Martin Luther King Jr. en Memphis.

Resulta que ese día había programado un concierto de James Brown en Boston, ciudad natal de Luther King, y allí, como en la mayoría de las grandes ciudades de los EEUU se desataron unos disturbios salvajes en los que la población negra comenzó a quemar y saquear sus barrios en protesta por el asesinato del líder espiritual negro.

El recién elegido alcalde de Boston, Kevin White decidió que si se celebraba el concierto, que sería en un recinto en un barrio blanco de Boston, los disturbios llegarían a toda la ciudad de mano del público de Brown, y decidió cancelar el evento.

James Brown hablando con el alcalde de Boston, Kevin White, y uno de los concejales

El documental narra a traves de entrevistas a gente del entorno de James Brown y a políticos y habitantes de Boston en aquel momento, de como siendo bien aconsejado el alcalde cambia de opinión y decide utilizar el concierto como herramienta para atemperar los ánimos de la población emitiendo el concierto en directo por la televisión pública.

El resultado es un concierto épico en el que un Brown en su mejor momento da una actuación excepcional y consigue que la población permanezca en sus casa disfrutando de la música.

A raiz de este suceso, James Brown se convierte en un líder de opinión en la comunidad negra y su prestigio aumenta hasta proporciones increibles, repitiendo poco después algo similar en Washington DC y siendo presencia indispensable en cualquier acto de reafirmación de la cultura negra.

Lo interesante de este documental es como no hace de Brown o del Alcalde de Boston personajes épicos que salvaron a la ciudad por unos ideales, sino que pintan los tonos de grises que rodean a ambos personajes, presentando a un Brown preocupado por todo el dinero que iba a perder en entradas con la emisión televisiva del show, o un alcalde que nunca se hubiese preocupado de esto si los disturbios nunca hubiesen salido de los barrios de mayoría negra.

Ameno y muy recomendable.

En segundo lugar está otro documental en el que James Brown es el protagonista: Soul Power.

Este documental está intimamente ralacionado con otro que ya comentamos aquí “When We Were Kings”, sobre el combate de Kinsasha en el 74 entre Alí y Foreman.

Si bien aquel documental se centraba en el combate, este otro se dedica a estudiar en profundidad el festival de música que se celebró en paralelo al combate, haciendo de Zaire 74 un evento de afirmación del Black Power en toda regla.

James Brown, The Jazz Crusaders, B.B.King, Fania All Stars con Celia Cruz, Miriam Makeba, The Spinners, grupos musicales y de danza africanos y muchos más actuaron durante 2 días en la capital del Zaire haciendo de gala de los diferentes sonidos de la cultura negra desde diferentes partes del mundo.

El documental, montado por un miembro del equipo de “When We Were Kings”, Jeffrey Levy-Hinte, a partir del material que no se utilizó para este, es impresionante tanto en la parte musical como en la de los viajes, los preparativos del concierto o los músicos visitando el país.

No tiene precio las imágenes del avión en el que todos los músicos y el equipo viajaron a Kinsasha, con Celia Cruz dirigiendo el cotarro y los músicos de la Fania tocando con todo lo que tenían a mano. Algun dia hablaremos en este blog de la música portorriqueña y cubana en el New York de los 70…

En resumen, dinámico, interesante y documento de un momento impresionante en la historia de la música.

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Me he centrado en el Funk más clásico y el P Funk, así que he dejado fuera a artistas más modernos y conocidos como Prince. Espero que os guste , como siempre, si tenéis dudas, quejas o comentarios, decidlo.

Say It Loud!

Pincha aquí para obterner la lista de reprodución de Introducción al Funk y al P Funk en Spotify

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Por Ahí hablan de la influencia de los Bar-Kays, de James Brown, de Howlin’ Wolf, etc… Yo de momento no me atrevo a tanto, pero todo apunta a que después del viernes me convertiré a su causa. Ayer mismo me compré el disco y no me ha dado tiempo a escucharlo entero, pero en breve os pasaré mis comentarios.

Os dejo un video que me parece más que suficiente para meteros el gusanillo del Soul en el cuerpo:

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En este caso en concreto hablaremos de música, mezclada con un tema muy cinematográfico: el boxeo. Con estos ingredientes, ¿que puede fallar? Pues vamos a ello.

Primero pongámonos en situación: 1974, Muhammad Ali, antiguo campeón de los pesos pesados estáen busca de recuperar el título que le fue arrebato al ser encarcelado por negarse a ser reclutado por el ejército para ir a Vietnam.

Don King es un emergente hombre de negocios y promotor de boxeo que quiere dar un golpe de mano y montar uno de los más grandes espectáculos de boxeo de la historia. Como no tiene fondos para organizarlo, se pone a buscar algún gobierno que quiera financiar el evento y así dar publicidad a su país.

Mobutu Sese Seko, dictador del Zaire (actual Republica del Congo), decide patrocinar el combate y Don King, haciendo gala de su ingenio empresarial (y de mucha jeta), decide convertir el asunto en una celebración de la “negritud”, en una demostración de “Black Power”, mezclando el combate de Alí con el actual campeón, George Foreman, con las músicas soul y africana, y para ello llevó a Kinshasa (capital del Zaire) a algunas de las más grandes estrellas de la época.

Ali era el símbolo de la América negra que luchaba por su importancia en una sociedad que trataba de ignorarlos y de proscribirlos. Alí, gran bocazas, habia hecho multitud de declaraciones públicas en contra del gobierno y de la guerra de Vietnam, hasta el punto que dió con sus huesos en la carcel por declararse objetor y negarse al reclutamiento. Esto le convirtió en un símbolo del “Black Power” y su aspiración al título del Campeonato del Mundo de los Pesos Pesados era compartida por toda la población negra.

Frente a él Foreman, gran boxeador, involuntariamente acabó encarnando la figura del “Tio Tom”, del negro adaptado al sistema y dominado por este, por lo cual se convirtió en el objetivo de las críticas de Alí y el personaje odiado por todos. Don king supo manejar habilmente esta idealización del combate y terminó utilizando las reivindicaciones raciales como propanganda para el evento.

Este espectáculo llamado  “Rumble in the Jungle” acabaría juntando en Kinshasa, cpital de la antigua república del Zaire, a los boxeadores con algunas de las más importantes estrellas del soul-blues de la época (James Brown, B.B. King, The Crusaders, The O’Jays, …), con estrellas de otra vertiente de la música negra de la época como eran los ritmos portorriqueños y afrocubanos (Celia Cruz, Fania All Stars, Ray Barreto…) e incluso músicos y bailarines africanos, convirtiendo el festival en algo así como un Woodstock de la negritud y una reivindicación del orgullo racial y de la fraternidad negra en el mundo.

Dos documentales inmortalizan este increíble hecho histórico: el recientemente estrenado “Soul Power”, aún no estrenado en España y el cual espero con ansia, que se centra principalmente en la música; y por otra parte el magnífico documental “When We Were Kings”, dirigido por León Gast y que enfoca primordialmente en el combate, sin desmerecer todo lo que se refiere al festival musical.

Un James Brown exultante, con bigote, en la cumbre de su fama fue el cabeza de cartel de un festival por el que un servidor mataría por haber presenciado y vivido. B.B.King, The Spinners, The O’Jays, The Crusaders, The Pointer Sisters, Bill Whiters, Celia Cruz, Ray Barreto y su orquesta, Fania All Stars, Myriam Makeba, la lista de artistas es increible. Como anécdota decir que estuvo a punto de ocurrir una catástrofe ya que James Brown quería que todos los artistas fuesen en un mismo avión, sin darse cuenta de la cantidad de equipo que tenia que movilizar cada uno de ellos, haciendo que el avión tuviese un terrible exceso de carga que estuvo a punto de producir una tragedia. Afortunadamente llegaron a Zaire sin problemas y no se perdieron de una sola vez tantos grandes talentos del mundo de la música.

El hecho de que los boxeadores estuviesen largo tiempo en Zaire para aclimatarse y entrenar hizo que todo el planeta tuviese la mirada puesta en lo que allí ocurría, en la preparación del evento, en los entrenamientos de  Alí, corriendo por las calles de Kinshasa con los niños corriendo a su lado y gritando “Alí Bumayé” (Alí mátale), y en el gran concierto que allí se llevó a cabo.

El documental cuenta con detalle y con grabaciones de la época como se desarrolló el todo el festival, el combate, la preparación. Las imágenes de época son impagables y ver a Alí con James Brown, ver al loco de Don King inventándose excusas sobre la marcha para el retraso del combate, escuchar las salida de tono de Alí, es algo que no tiene precio.

Si además eres aficionado al boxeo, el combate es espectacular. Ver como Alí se dio cuenta que el enfrentamiento directo le llevará a la derrota y decide cambiar de estrategia. Durante siete asaltos, Alí decidió encajar un golpe tras otro protegiéndose la cara, aguantando el tirón dejando que Foreman acabase agotado para, en el octavo asalto, conectar una brutal combinación que dejó a Foreman fuera de la circulación y sin el título que por fín volvió a las manos de su antiguo dueño.

Narrado de manera magistral, el documental nos deja unas impactante imágenes del combate, round a round, dándonos la sensación de estar presenciando una hazaña épica de proporciones inigualables.

Cine, historia, boxeo y la mejor música del mundo. Todo esto se condensa en este documental. Espectacular. Debéis verlo. Y se puede complementar con la película “Alí” de Michael Mann en la que este combate se convierte en el clímax del film. Muy recomendable.

Escuchando: The Sweet Vandals - Good Thing

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The Staples Singers

Fueron un grupo formado en la segunda mitad de los años 50 por las hermanas Cleo, Ivonne, Pervis y por supuesto Mavis Saples, y el padre de todas (y guitarrista del grupo) Roebuck “Pops” Staples.
Comenzaron como un grupo de Gospel y poco a poco gracias a la amistad de Pops con Martin Luther King fueron poniendo música al movimiento de los Derechos Civiles. En este aspecto tiene do versiones míticas de A Hard Rain is Gonna Fall de Dylan y For What is Worth de Stephen Stills.

Curtis Mayfield

Se podría decir que Curtis Mayfield escribió buena parte de la banda sonora del movimiento durante los 60. De hecho su canción Keep on Pushing con los Impressions fue un himno para Martin Luther King. Con el tiempo y ya en solitario fue de los primeros junto a James Brown y Sly Stone en apadrinar el movimiento Black Pride.

James Brown

“Say it Loud, I’m Black and I’m Proud” (Dilo alto, soy negro y estoy orgulloso) bramaba en sus conciertos el Padrino del Soul. Entre otras muchas actividades en beneficio de la comunidad negra, se le atribuye el calmar los ánimos y posibles revueltas dando con un concierto que se retransmitió gratuitamente por televisión el día después del asesinato de Martin Luther King (vamos, tal día como ayer hace 41 años).

Otros Casos Reseñables

Es curioso que uno de los himnos más famosos en todas las movilizaciones, We Shall Overcome, había sido popularizado por Pete Seeger cantante de Folk siempre comprometido. Otros artistas blancos que apoyaron abiertamente al movimiento fueron Joan Baez y Bob Dylan (Here comes the story of the Hurricane….)
Aretha Fanklin actuó en el funeral del Reverendo, y es reseñable que también actuase en la investidura de Barak Obama, para muchos el momento en el que se cierra con victoria abrumadora el movimiento de los Derechos Civiles en Estado Unidos.

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Nos situamos justo después de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. Los soldados provenientes de zonas rurales, que durante la guerra han visto por primera vez un poco de mundo, vuelven a casa buscando el trabajo y las comodidades modernas que ofrecían las ciudades. Los negros que habían servido a su país, o que habían trabajado en empleos relacionados con la guerra, empezaron a demandar esos mismos trabajos, así como los mismos derechos civiles. Del mismo modo, en esta época floreciente para EEUU, tenían unas necesidades de entretenimento que cubrir.

Todo esto, unido al clima de optimismo reinante crearon el contexo perfecto para la gran difusión del Blues y del Swing. Hasta 1948, el término peyorativo que se utilizaba para describir la música que consumía la comunidad negra era Race Music (Musica Racial). En 1948 el legendario productor Jerry Wexler acuñó Rythm & Blues como alternativa no peyorativa. Se considera que el R&B como género nace en 1945 con artistas como Nat “King” Cole, Cecil Grant o Charles Brown, lo que nace en 1948 es el término.

Las raices del Soul se encuentran en el Blues y el Gospel. Una de las teorías que tienen más fuerza es que el género nace con el tema “I Got a Woman” de Ray Charles en 1954, pero que el género define plenamente su estilo con los temas de los 60 de Solomon Burke “Cry to Me”, “Just Out of Reach” y “Down in the Valley”.

El Funk básicamente coge los estilos anteriores, se centra en la ritmica y no en la armonía y acentua los tiempos 2 y 4 de los compases. Como primer tema del género se considera el “Out of Sight” de James Brown, pero realmente se define con “Papa’s Got a Brand New Bag”, de 1964 y 1965 respectivamente.

El tema da para extenderse mucho más, pero prefiero quedarme en conciso. Ya iremos desgranando más adelante.

Un último apunte: En el analfabetismo cultural que reina en estos momentos se ha acuñado el término R&B para definir cualquier tipo de música melosa con raices medio negras (en el mejor de los casos). Los que empezaron a utilizar de nuevo el término, debían estar buscando una palabra-almacen que sirviese de comodín, y eso ya existía: “POP”. Considerar que TLC, Destiny’s Child, Beyonce, Boyz II Men o Mariah Carey (!) hacen R&B es como decir que Goya era Cubista, que Spilberg dirigió El Padrino o que Cervantes pertenecía a la generación Beat.

Fuentes: “Birth of the Groove” de Dave Rubin (Hal Leonard) y Wikipedia.

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